¡México es color, alegría y fiesta! México es un país rico. Rico en música. Somos la manifestación viva del mestizaje de las diversas culturas que llegaron a estas tierras para forjar nuestra identidad. Hoy daremos un recorrido por algunos de los estados de nuestro país. Para dejar correr la emoción que aportan con su legado musical. Cada Estado es un México pequeño que con sus aportaciones al pentagrama suma para hacer de nuestra nación una tierra rica y variada en música.

Dámaso Pérez Prado, conocido como el “Rey del Mambo”, fue un influyente músico, compositor y director de orquesta cubano, nacido el 11 de diciembre de 1916 en Matanzas, Cuba, y fallecido el 14 de septiembre de 1989 en Ciudad de México. Fue una de las figuras clave en popularizar el mambo, un estilo de música y baile de origen cubano que alcanzó gran popularidad a nivel internacional en las décadas de 1940 y 1950.
Pérez Prado se destacó por su innovador enfoque en la música latina, fusionando ritmos afrocaribeños con influencias del jazz y la música de big band. Su estilo vibrante y enérgico lo llevó a crear éxitos mundiales como “Mambo No. 5”, “Qué rico el mambo” y “Mambo No. 8”. Estas piezas fueron clave para internacionalizar el mambo y convertirlo en una sensación en los Estados Unidos y otros países.
Además de su habilidad como músico, Pérez Prado era conocido por su carisma y su estilo único al dirigir su orquesta, incluyendo sus famosos gritos de “¡Dilo!” que se convirtieron en una firma de su música.
Establecido en México durante gran parte de su vida, Pérez Prado también incursionó en el cine y grabó una gran cantidad de álbumes que lo consolidaron como una leyenda de la música latina. Su legado como pionero del mambo sigue siendo una referencia importante en la historia de la música tropical y bailable.

Andrea Echeverri es una destacada cantante, compositora y activista colombiana, nacida el 13 de septiembre de 1965 en Bogotá. Es conocida principalmente por ser la vocalista de la banda de rock alternativo Aterciopelados, una de las agrupaciones más influyentes en la música latinoamericana desde los años 90.
Con Aterciopelados, Echeverri ayudó a fusionar el rock con elementos de música tradicional colombiana, creando un estilo único que ganó reconocimiento internacional. Su voz suave y poderosa, junto con su enfoque lírico en temas sociales, ambientales y de género, ha hecho que sus canciones se destaquen por su profundidad y relevancia.
En 2005, lanzó su primer álbum como solista, titulado “Andrea Echeverri”, que fue muy bien recibido por la crítica. La canción “A Eme O”, dedicada a su maternidad, es uno de los temas más conocidos de este álbum. Su segundo disco, “Dos” (2010), también refleja su interés en temas personales y sociales.
Echeverri ha sido una voz influyente en la defensa de los derechos de las mujeres y el medio ambiente, y es admirada por su autenticidad y compromiso artístico. Su carrera tanto con Aterciopelados como en solitario ha dejado una huella profunda en la música latina y en los movimientos sociales que representa.

“Wish You Were Here” es el noveno álbum de estudio de la banda británica Pink Floyd, lanzado el 12 de septiembre de 1975. Considerado uno de los discos más influyentes del rock progresivo, el álbum es un homenaje a Syd Barrett, el ex miembro fundador de la banda, cuya salida fue causada por su deterioro mental debido al abuso de drogas.
El álbum explora temas como la ausencia, la alienación, y la deshumanización de la industria musical. Las canciones están impregnadas de una profunda nostalgia y melancolía, particularmente la pieza central, “Shine On You Crazy Diamond”, dedicada explícitamente a Barrett. Otros temas notables incluyen “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar”, que critican la codicia y el cinismo del mundo de la música.
Musicalmente, “Wish You Were Here” combina elementos de rock progresivo con experimentación sonora, incluyendo sintetizadores, guitarras acústicas y eléctricos solos. La producción es meticulosa y refleja el estilo refinado que la banda alcanzó tras el éxito de su anterior álbum, “The Dark Side of the Moon”.
El álbum fue un éxito comercial y de crítica, alcanzando el número uno en varios países. Hoy en día, es considerado uno de los mejores discos de la historia del rock, con una gran carga emocional y artística que sigue resonando en oyentes de todo el mundo.

Moby, cuyo nombre real es Richard Melville Hall, es un músico, productor y DJ estadounidense, nacido el 11 de septiembre de 1965 en Nueva York. Es uno de los artistas más influyentes de la música electrónica, conocido por su capacidad para fusionar géneros como el techno, el ambient, el rock y el pop.
Moby ganó fama mundial con su álbum “Play” (1999), que fue un éxito tanto comercial como crítico. Este álbum innovador combinó música electrónica con muestras de grabaciones de blues, gospel y folk, generando éxitos como “Porcelain”, “Why Does My Heart Feel So Bad?” y “Natural Blues”. Fue el primer álbum en tener todas sus canciones licenciadas para películas, programas de televisión y anuncios, lo que ayudó a catapultarlo al éxito global.
A lo largo de su carrera, Moby ha lanzado más de 15 álbumes de estudio, explorando una amplia gama de sonidos y estilos. También es conocido por su activismo, particularmente en temas de derechos de los animales y el veganismo, además de ser defensor de causas ambientales y humanitarias.
Moby es considerado un pionero en la música electrónica y ha dejado una marca significativa en la industria musical, influyendo a generaciones de artistas y redefiniendo la relación entre la música y la cultura popular.

José Feliciano es un icónico cantante, compositor y guitarrista puertorriqueño, nacido el 10 de septiembre de 1945 en Lares, Puerto Rico. Es reconocido mundialmente por su virtuosa habilidad con la guitarra y su distintiva voz, que lo han convertido en una de las figuras más importantes de la música latina y pop internacional.
Ciego de nacimiento, Feliciano mostró un talento excepcional para la música desde una edad temprana. Su fusión de géneros como el bolero, el rock, el soul y el pop le permitió destacar en la década de 1960 y 1970. Alcanzó fama internacional con su versión de “Light My Fire” de The Doors, que se convirtió en un gran éxito. También es conocido por su interpretación del himno nacional de los Estados Unidos en 1968, que, aunque controvertida en su momento, es ahora considerada un momento histórico en la música.
Otro de sus éxitos más perdurables es la canción navideña “Feliz Navidad” (1970), que ha trascendido generaciones y es considerada un clásico navideño en todo el mundo.
A lo largo de su carrera, José Feliciano ha ganado múltiples premios, incluidos varios Grammy, y ha sido elogiado por su innovación musical, que ha roto barreras entre géneros y culturas. Con más de 60 años de carrera, sigue siendo una figura influyente en la música global.

Lila Downs es una destacada cantante, compositora y activista mexicana, nacida el 9 de septiembre de 1968 en Tlaxiaco, Oaxaca. Con una carrera que combina diversos géneros musicales como la música tradicional mexicana, el folk, el jazz y el pop, Downs ha ganado reconocimiento internacional por su poderosa voz y su capacidad para fusionar estilos y culturas.
De ascendencia mixteca y estadounidense, Lila Downs ha hecho de su identidad multicultural una parte fundamental de su música, cantando en español, inglés y lenguas indígenas como el mixteco, zapoteco y maya. Su música está impregnada de temas sociales, como la identidad, la justicia social, los derechos de los migrantes y la preservación de la cultura indígena.
Algunos de sus álbumes más destacados incluyen “La Sandunga” (1999), “Ojo de Culebra” (2008), “Pecados y Milagros” (2011) y “Al Chile” (2019). A lo largo de su carrera, ha recibido varios premios, incluidos Grammys Latinos y un Grammy, y ha colaborado con artistas de renombre como Santana y Juanes.
Lila Downs no solo es reconocida por su música, sino también por su activismo y compromiso con la justicia social y la cultura de México. Su estilo único y su mensaje poderoso la han convertido en una de las artistas más influyentes y respetadas de la música latina contemporánea.

“A Corazón Abierto” es el séptimo álbum de estudio del cantante mexicano Alejandro Fernández, lanzado el 7 de septiembre de 2004. Este álbum marcó un importante paso en la carrera de Fernández, ya que se centró principalmente en el pop latino, alejándose temporalmente de la música ranchera que lo había consolidado como uno de los grandes intérpretes de México.
Producido por el reconocido productor colombiano Kike Santander, “A Corazón Abierto” incluye una colección de baladas y canciones de pop romántico que destacan por sus letras emotivas y arreglos sofisticados. El álbum cuenta con éxitos como “Me dediqué a perderte”, una de las canciones más emblemáticas de Fernández, y otros temas como “Canta corazón”, “Qué lástima” y “Eres”.
Este álbum fue un éxito comercial y de crítica, alcanzando los primeros lugares en las listas de popularidad en varios países de habla hispana. “A Corazón Abierto” no solo consolidó a Alejandro Fernández como un gran intérprete de baladas pop, sino que también le permitió expandir su audiencia a nivel internacional.
La producción fue elogiada por su calidad y por la capacidad de Fernández para transmitir una profunda emotividad en cada canción. “A Corazón Abierto” sigue siendo uno de los trabajos más destacados en la discografía de Alejandro Fernández y es un reflejo de su capacidad para reinventarse y triunfar en diferentes géneros musicales.

Roger Waters es un icónico músico, cantante, compositor y productor británico, nacido el 6 de septiembre de 1943 en Surrey, Inglaterra. Es mejor conocido como uno de los miembros fundadores de la legendaria banda de rock progresivo Pink Floyd, donde desempeñó un papel crucial como bajista, vocalista y principal letrista.
Waters se unió a Pink Floyd en 1965, y a lo largo de los años se convirtió en la fuerza creativa detrás de muchos de los álbumes más emblemáticos de la banda. Fue el principal compositor y conceptualista de obras maestras como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977), y especialmente “The Wall” (1979), un álbum conceptual que explora temas de aislamiento, alienación y autoritarismo. “The Wall” es una de las obras más aclamadas y exitosas de la música rock, con un fuerte impacto cultural.
Después de dejar Pink Floyd en 1985, Waters siguió una carrera en solitario, lanzando álbumes como “The Pros and Cons of Hitch Hiking” (1984), “Amused to Death” (1992) y “Is This the Life We Really Want?” (2017). Su trabajo en solitario continúa explorando temas políticos, sociales y personales, y ha sido elogiado por su profundidad y relevancia.
Waters es también conocido por sus posturas políticas y su activismo, utilizando su música y su plataforma para expresar sus opiniones sobre la guerra, los derechos humanos y la justicia social. Sus giras en solitario, particularmente las basadas en “The Wall”, han sido espectáculos teatrales a gran escala que combinan música, visuales y mensajes poderosos.
Roger Waters es considerado una de las figuras más influyentes en la historia del rock, tanto por su contribución a Pink Floyd como por su carrera en solitario, y sigue siendo un artista relevante y comprometido con las causas sociales y políticas.

Lorenzo de Monteclaro, nacido como Lorenzo Hernández en Cuencamé, Durango, el 5 de septiembre de 1939, es un icónico cantante y actor mexicano, reconocido por su contribución a la música norteña y ranchera. Con una carrera que abarca más de seis décadas, Lorenzo se ha ganado un lugar especial en el corazón del público mexicano y latinoamericano gracias a su distintiva voz y su estilo tradicional.
Debutó en la música a temprana edad y, tras mudarse a Monterrey, Nuevo León, se consolidó como una de las figuras más representativas de la música regional mexicana. Entre sus éxitos más notables se encuentran canciones como “El ausente”, “La cruz de marihuana”, y “Un puño de tierra”, que se han convertido en clásicos del género.
Además de su carrera musical, Lorenzo de Monteclaro también incursionó en el cine mexicano, participando en diversas películas de temática ranchera y musical, lo que amplió su fama y le permitió llegar a una audiencia aún más amplia.
Con más de 90 álbumes lanzados, Lorenzo de Monteclaro sigue siendo una de las voces más queridas y respetadas de la música mexicana, conocido por su interpretación emotiva y su capacidad para mantener viva la tradición de la música norteña y ranchera.

Gustavo Cerati fue un influyente músico, cantante, compositor y productor argentino, nacido el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires y fallecido el 4 de septiembre de 2014. Es mejor conocido como el líder y vocalista de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes y exitosas de la música en español.
Cerati cofundó Soda Stereo en 1982 junto a Zeta Bosio y Charly Alberti. Con su innovador sonido, que combinaba rock, pop y new wave, Soda Stereo se convirtió en un fenómeno en toda América Latina, lanzando álbumes icónicos como “Signos” (1986), “Doble Vida” (1988) y “Canción Animal” (1990). Temas como “De Música Ligera”, “Persiana Americana” y “Cuando Pase el Temblor” se convirtieron en himnos del rock en español.
Después de la separación de Soda Stereo en 1997, Cerati continuó con una exitosa carrera en solitario, explorando una amplia gama de estilos musicales y lanzando aclamados álbumes como “Bocanada” (1999), “Siempre es Hoy” (2002), y “Fuerza Natural” (2009). Su trabajo como solista consolidó su estatus como uno de los músicos más innovadores y respetados de la música en español.
Gustavo Cerati es recordado no solo por su talento musical, sino también por su capacidad para conectar con su audiencia a través de letras profundas y una música que trascendió fronteras. Su legado sigue vivo en la música, y su influencia perdura en generaciones de artistas y fans.

“Help!” es una de las canciones más emblemáticas de The Beatles. Compuesta por John Lennon, con la colaboración de Paul McCartney, la canción refleja un período de transición para la banda, tanto musical como personalmente.
“Help!” se destaca por su letra sincera y más introspectiva que las canciones anteriores de The Beatles. John Lennon, quien escribió la mayor parte de la canción, más tarde comentó que la letra reflejaba su sentimiento de vulnerabilidad y la presión que sentía por la fama y el éxito que la banda había alcanzado en ese momento. La canción expresa un llamado de auxilio y una necesidad de apoyo, en contraste con los temas más optimistas de sus primeros éxitos.
“Help!” llegó al primer lugar de popularidad en Inglaterra el 3 de septiembre de 1965.

Billy Preston fue un talentoso músico, cantante y compositor estadounidense, nacido el 2 de septiembre de 1946 en Houston, Texas, y fallecido el 6 de junio de 2006 en Scottsdale, Arizona. Es conocido por su virtuosismo en el teclado y por su trabajo con algunas de las bandas más icónicas de la historia de la música, incluidos The Beatles y The Rolling Stones.
Preston comenzó su carrera musical a una edad temprana, tocando el órgano y el piano en la iglesia. A lo largo de los años 60, trabajó como músico de sesión, colaborando con artistas como Ray Charles y Little Richard. Sin embargo, su gran reconocimiento llegó cuando se unió a The Beatles, convirtiéndose en el único músico en recibir crédito como coautor en una canción de la banda, con “Get Back” acreditado como “The Beatles with Billy Preston”.
Además de su trabajo con The Beatles, Preston tuvo una exitosa carrera en solitario, con éxitos como “Nothing from Nothing”, “Will It Go Round in Circles”, y “Outa-Space”, esta última ganando un premio Grammy. También trabajó estrechamente con The Rolling Stones, contribuyendo a muchos de sus álbumes más importantes durante los años 70.
Billy Preston es recordado como un músico excepcional cuyo talento y versatilidad lo convirtieron en una figura clave en la historia del rock y el soul. Su influencia perdura, y su música sigue siendo apreciada por su habilidad para fusionar géneros y crear un sonido único y poderoso.